LONGS-MÉTRAGES
LARGOMETRAJES
Aunque la trama puede faltar de originalidad, la evolución de la relación entre los dos hermanos es conmovedora y nos tiene en vilo. La falta de contacto entre ambos es impactante pero la dejan atrás en el desenlace cuando se abrazan. La relación fraternal de Pablo y Miguel parece realista especialmente a través de sus sentimientos poderosos e latentes.
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El cineasta logra crear perfectamente una atmósfera íntima entre los espectadores y los personajes por medio del uso de primerísimos planos. También consigue mostrar el malestar de los hermanos mediante unos largos planos silenciosos. Finalmente logran reunirse a pesar del peso del tiempo que pasa y de la pérdida de sus padres dejándose entregar por sus recuerdos comunes.
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En cuantos espectadores sentimos más compasión por el personaje de Pablo que evoluciona a lo largo del largometraje esencialmente rodado a partir de su punto de vista. El recurso a estos primeros planos permite percibir con fuerza las emociones de los personajes y en particular cuando no hay diálogo.
AQUARIUS (2016), Kleber Mendonça Filho
Brésil
Ce qui m'a frappée, par ailleurs, c'est la fascination de la caméra pour la chevelure de la protagoniste. Au-delà de la symbolique très forte liée au cancer, cet élément témoigne du regard particulier, presque amoureux, que pose le réalisateur sur son personnage, sur l'actrice, Sônia Braga, qui s'en trouve sublimée. Cette profonde bienveillance transparaît aussi dans le rythme du film, le jeu sur les durées: à Clara, on lui laisser le temps. Le temps de se souvenir. Le temps de rêver. Le temps de vivre, de repenser à sa vie, de repenser sa vie. On laisse aussi du temps et de l'espace aux personnages féminins, à une diversité de personnages de femmes.
Le film, ambitieux, aborde une multitude de thèmes à partir d'un personnage, d'un personnage de femme. Avec un grand respect, et toujours cette profonde bienveillance dans le regard et l'écoute, depuis Clara et autour d'elle, on tisse une toile de problématiques: genre, couleur de peau, classe, sexualité, amour, vieillissement, générations, maladie, deuil, violences, absence, et tant d'autres choses. A travers la vie et le combat d'une femme contre un système pourri, c'est de tout ce qui fait une vie, mais aussi d'un pays et son contexte socio-éco-politique, qu'on nous parle.
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Et à la fin, quand la boucle est bouclée et que se résout enfin la question du cancer laissée en suspens depuis le début du film, on comprend que si Clara ne PEUT pas se séparer de son appartement, c'est parce que sa relation à l'Aquarius est viscérale au sens propre du terme. Plus qu'une partie de sa vie, il EST sa vie. Au travers de l'image des termites que les promoteurs ont introduit dans les étages supérieurs pour gangréner le bâtiment et obliger matériellement Clara à l'abandonner, se crée une association entre le corps de Clara survivant d'un cancer, l'Aquarius qui en est maintenant atteint et, au-delà, le pays tout entier et son système corrompu. Se laisser ronger de l'intérieur, ou ne pas se laisser ronger de l'intérieur ? Telle est la question. En ce qui la concerne, Clara a une idée très claire de la réponse. De fait, elle finit par débarquer dans le bureau des promoteurs avec des morceaux de bois bourrés de termites en annonçant qu'elle préfère "donner le cancer plutôt que de le recevoir".
Clara a la soixantaine et vit dans un immeuble singulier de Recife, nommé Aquarius. Des promoteurs veulent le racheter pour en faire autre chose, mais elle résiste, refuse de partir, alors que tous les autres appartements se vident. Ce lieu, c'est une partie d'elle, le théâtre de sa vie. Jeune, elle y a survécu au cancer. Elle y a vécu avec son mari, parti trop tôt. Ils y ont élevé leurs enfants. Non, elle ne peut pas le lâcher comme ça. Elle se battra, malgré les manœuvres frauduleuses des promoteurs, malgré l'inquiétude de ses proches.
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On est captivé.e par ce personnage, par cette femme, sa détermination, sa façon de prouver à tou.te.s que son attachement à l'Aquarius n'est pas synonyme de nostalgie, mais de vie, d'amour de la vie.
Clara tiene unos sesenta años y vive en un inmeuble peculiar de Recife llamado Aquarius. Unos promotores quieren comprarlo para transformarlo en otra cosa, pero ella se resiste, se niega a irse, mientras tanto, van vaciándose todos los demás pisos. Este lugar es una parte de ella, el escenario de su vida. Aquí, de joven, sobrevivió al cáncer. Aquí vivió con su marido, muerto demasiado temprano. Aquí criaron a sus hijos. No, no puede dejarlo así. Luchará, a pesar de las maniobras fraudulentas de los promotores, a pesar de la preocupación de sus allegados.
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Unx queda cautivadx por ese personaje, por esa mujer, por su determinación, por la manera en que tiene de probarles a todxs que su apego al Aquarius no es sinónimo de nostalgia, sino de vida, de amor a la vida.
Lo que me impactó, por lo demás, fue la fascinación de la cámara por el cabello de la protagonista. Más allá de la implicación simbólica (muy fuerte) relacionada con el cáncer, este elemento testifica de forma particular, casi amoroso, la mirada del director respecto a su personaje, a la actriz Sônia Braga, que se ve así sublimada. Esta profunda benevolencia también se deja traslucir en el ritmo de la película, en el juego de duraciones. A Clara se le da tiempo: tiempo para recordar, tiempo para soñar, tiempo para vivir, para volver a pensar en su vida. Se les deja tiempo también a los otros personajes femeninos, a una diversidad de personajes de mujeres.
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La película, ambiciosa, plantea una multitud de temas a partir de un personaje, un personaje femenino. Con un gran respeto, y siempre con aquella profunda benevolencia en el mirar y el escuchar, desde Clara y alrededor de ella, se teje una tela de problemáticas: género, color de piel, clase, sexualidad, amor, envejecimiento, generaciones, enfermedad, duelo, violencias, ausencia, y tantas cosas más. A través de la vida y el combate de una mujer contra un sistema podrido, se nos habla de todo lo que hace una vida, pero también de un país y su contexto socio-eco-político.
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Y al final, cuando se cierra el círculo, al resolverse por fin la cuestión del cáncer que quedaba pendiente desde el inicio de la película, entendemos que si Clara no PUEDE deshacerse de su apartamento es porque su relación con el Aquarius es visceral en el sentido propio de la palabra. Mediante la imagen de las termitas que los promotores han introducido en los pisos superiores para gangrenar el edificio y que, materialmente, Clara no tenga otro remedio que abandonarlo, se crea una asociación, entre el cuerpo de Clara superviviente del cáncer, el de Aquarius que ahora tiene uno y, más allá, el del país entero y su sistema corrupto. ¿Dejarse carcomer por dentro o no dejarse carcomer por dentro? Ésta es la pregunta. Por su parte, Clara tiene muy clara la respuesta. De hecho, acaba irrumpiendo en el despacho de los promotores con trozos de madera llenos de termitas, anunciando que ella prefiere "dar el cáncer antes que recibirlo".
La historia es la de dos hermanos que vuelven a Pinamar, ciudad balnearia de su infancia para vender el apartamento familiar y esparcir las cenizas de su madre en el mar. Su estancia será sinónimo de un recorrido iniciático, cuestionamiento, disputas y finalmente reencuentro.
L’histoire est celle de deux frères qui reviennent à Pinamar, la ville balnéaire de leur enfance, afin de vendre l’appartement familial et de jeter à la mer les cendres de leur mère qui vient de mourir. Leur séjour sera synonyme d’un parcours initiatique avec remises en question, querelles et finalement réunion.
Bien que l’intrigue puisse sembler manquer d’originalité, l’évolution de la relation des deux frères est émouvante et tient en haleine. Le manque de contact entre les deux frères est saisissant mais est dépassé lors du dénouement où ils s’enlacent. La relation fraternelle de Pablo et Miguel semble réaliste notamment aux travers de leurs sentiments puissants et inexprimés.
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Le cinéaste réussit parfaitement à créer une atmosphère intime entre les spectateurs et les personnages à travers l’utilisation de gros plans. Il retranscrit également efficacement le malaise des frères à travers de longs plans silencieux. Finalement ils parviennent à se retrouver, malgré le poids du temps qui passe et du décès de leurs parents, en se replongeant dans leurs souvenirs communs.
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En tant que spectateurs, on ressent de la compassion pour le personnage de Pablo qui évolue tout au long du long-métrage qui est filmé à partir de son point de vue. Le recours à des gros plans permet de retranscrire avec force les émotions des personnages, en particulier quand il n’y a pas de dialogue.
Interview
Entrevista
EL INVIERNO, (2016) EMILIANO TORRES
Argentina
El invierno es el primer film de Emiliano Torres, cineasta argentino de una solida trayectoria como Asistente de Dirección tanto del ámbito nacional como internacional.
El film narra la historia de un capataz de estancia que luego de haber trabajado gran parte de su vida para los dueños del campo, es despedido y reemplazado por un trabajador golondrina, mucho mas joven que él, y a quien debe enseñar el trabajo de dirigir la estancia.
No sabemos nada de estos personajes, tampoco sus motivaciones ; no hay un retrato psicológico de ellos que nos permita comprender por qué actúan como lo hacen, incógnita que en el caso de Jara, el jornalero joven, se develara hacia el final del film.
Prix du jury
Prix d'interprétation féminine à Sônia Braga
CENTRAL DO BRASIL, (1998) WALTER SALLES
Brésil
Dans la gare centrale de Rio de Janeiro, en pleine affluence, Isidora (Dora), institutrice à la retraite, est une écrivaine publique installée derrière son bureau, qui écrit et envoie des lettres dictées par des clients analphabètes. Dora écoute, en apparence, en toute impartialité, les clients afin de retranscrire les récits parfois les plus personnels de leurs vies. Parmi eux, Josué et sa mère lui demandent d’écrire une lettre adressée au père de famille que l’enfant n’a jamais connu, afin de le rencontrer. L’institutrice n’accorde pas plus d’importance à leur histoire qu’à celles des autres personnes, et comme pour beaucoup d’autres lettres, elle ne la postera pas. Mais lorsqu’un accident provoque le décès de la mère de Josué, il n’a plus personne sur qui compter, et Dora met du temps avant de lui proposer de l’aide. Finalement, son aide était intéressée puisqu’elle l'amènera dans un foyer douteux pour enfants en échange d’un téléviseur. Sur les alertes d'Irène, sa seule et unique amie, elle ira le chercher en catastrophe. Dora et Josué doivent quitter la ville, finies la cohue et la foule du hall de la gare centrale, c’est le début d’un road movie initiatique.
Ce voyage initiatique mêle errance et renaissance, nous découvrons avec les deux personnages principaux l’intérieur du Brésil, ses campagnes et ses terres désertes. Et parallèlement, nous les accompagnons aussi dans un voyage à l’intérieur d’eux-mêmes, car tout le récit est finalement tourné vers cette quête identitaire, à la recherche de ce père absent, aussi bien dans la vie de Josué que dans celle de Dora. C’est donc aussi une découverte de leurs histoires personnelles, car au fur et à mesure qu’ils avancent dans le voyage, Dora se livre petit à petit, les souvenirs refont surface et l’on comprend mieux sa rancœur, et cette méfiance éprouvée envers les hommes. Cette femme aigrie que l’on découvre frustrée vit un changement progressif. Et c’est justement grâce à Josué, ce petit bonhomme d’une dizaine d’années, qui va la confronter à ses démons et l’inciter à changer pour révéler le meilleur de sa personnalité.
Entre eux naît, d’abord, une relation instable, capricieuse et conflictuelle. Dora ne cesse de baisser les bras, Josué doit faire face à une adulte qui n’arrive pas à prendre le contrôle de la situation et de ses émotions. Josué, lui, n’a pas peur de lui dire la vérité en face, surtout en ce qui concerne les lettres non-envoyées, il est téméraire, honnête et courageux. C’est une relation parfois ambiguë entre, d’un côté, la dualité homme-femme, et de l’autre celle d’adulte-enfant, voire mère-fils. L’un et l’autre se complètent et grandissent ensemble. Le climax est atteint lors d’une procession religieuse : suite à une dispute où elle perd Josué parmi la foule, nous retrouvons cette errance, où les croyants, les plaintes et les prières font monter la pression et l’étouffe, jusqu’à l’explosion des feux d’artifices où Dora s’évanouit. Telle une renaissance, elle se réveillera dans les bras de Josué, définitivement changée, comme exorcisée. C’est à ce moment-là que leur relation prend un nouveau tournant beaucoup plus solide.
Ce film est donc un voyage initiatique, mais il montre aussi un pays dans ses extrêmes : la religion, l’alcoolisme, le manque de sécurité, les enfants abandonnés, l’analphabétisme, la pauvreté. Cette comédie dramatique adopte un regard proche du documentaire sur le Brésil. Et c’est dans cet univers hostile, que leur relation devient une bouffée d’air. La fin du film est le début du voyage de Dora, prête à se tourner vers un nouvel avenir.
El invierno habla, justamente, de la incertitud, de la profunda soledad en la que se ven envueltos los personajes frente a sus propias circunstancias. Tendrán que buscar la forma de pasar ese invierno, y los que siguen.
El escenario elegido para narrar esta historia es la Patagonia argentina. El paisaje es esencial a la hora de analizar el film, es allí y no en otro sitio en donde los personajes se verán enfrentados a sus propios limites. El lugar no sólo es relevante en tanto espacio cinematográfico funcional al proceso narrativo sino que también cobra importancia y autonomía por sus propias características: geografía imponente, picos nevados, vientos de ochenta kilómetros por hora, lluvias, sol ; el lugar en sí, puede ser hostil, bello e incierto.
En el debate/reportaje que siguió a la proyección del film, Emiliano Torres negó la intención de hacer un cine social, y de hecho no lo es, ya que prima la historia por sobre de toda justificación psicológica y social. Aun si, cabe mencionar que tanto el capataz como su sucesor, el jornalero, son personajes olvidados en los confines del mapa, que exceden la ficción, adonde el estado parece no haber llegado, en donde no hay leyes que regulen ni protejan. En ese mundo de reglas convencionales prima la decisión del patrón. Y aquí, nuevamente, vale hacer referencia al lugar ya que el paisaje funciona como un cronotopo en tanto sistema de significaciones, en lo político , en lo social y en el tiempo, que van mas allá de la narración y que, a la vez, están contenidos en ésta.
La Dirección de fotografía estuvo a cargo de Ramiro Civita ; abundan largas vistas panorámicas del paisaje, bellísimas imágenes que dejan al espectador suspendido en ese universo en donde la naturaleza magnifica se impone frente la pequeñez humana. También abundan los primeros planos intimistas en rostros cuyo pasado desconocemos pero que transmiten una enorme profundidad.
El invierno es un drama con ecos de otros géneros: los extensos campos que parecen ser “tierra de nadie”, las códigos locales que se oponen a toda ley escrita, los personajes solitarios y silenciosos, cuya supervivencia depende de su propia tenacidad y esfuerzo, lo ligan al western, así como los ecos del thriller de dejan ver en el suspenso y la ansiedad que sufren tanto Jara como los espectadores, sensación que ira in crescendo hacia clímax de la película.
Las privaciones que viven los personajes no guardan una relación causal con el fin que les espera. Obligados a sobrevivir, como si solo hubiese sitio para uno de ellos, se enfrentarán hasta las ultimas consecuencias. Con el fin del invierno y los nuevos propietarios de la estancia , Jara se encontrará en la misma situación que su antecesor. Finalmente, en virtud de una lógica de costo-beneficio, quedará silenciado el abuso de poder.
X-QUINIENTOS, Juán Andrés Arango
Colombie, Canada et Méxique
X Quinientos est un long métrage de Juan Andrés Arango. Cinéaste canado-colombien, il a réalisé divers documentaires et courts-métrages. Présent lors de la projection au festival, il a introduit son film en expliquant le titre : du nord de l’Amérique jusqu’au sud, "X Quinientos" est un petit village situé très précisément au centre du continent. Ce film nous offre trois trames qui se mêlent dans divers endroits géographiquement éloignés. Sans jamais se rencontrer, nous allons voir que ces personnages présentent une proximité certaine.
Alex est un jeune afro-colombien, qui suite au décès de son frère, décide de retourner à Buenaventura et découvre que son ancien quartier est désormais sous le contrôle de criminels. David, le second protagoniste, quitte son village suite au décès de son père et décide de reconstruire sa vie dans la capitale de Mexico. Enfin, le troisième personnage principal, María, vit aux Philippines. Lorsque sa mère décède, elle émigre au Canada pour rejoindre sa grand-mère.
Ces 3 histoires croisées gravitent autour d’un thème commun : la perte d’un être cher. Touchés par le deuil, ils essaient, chacun à travers des milieux différents, de trouver leur place et ainsi entamer un processus de reconstruction.
Le réalisateur a choisi l’émigration comme fil conducteur entre ces histoires. Un thème qu’il lui semblait important d’aborder de par son actualité.
Pour chacun de ces personnages, l'intégration va être synonyme de changement : on observe chez María et David une transformation physique. Ils s'imprègnent et adoptent l'un et l'autre le style des communautés Punk et Ghetto. On saisit la difficulté de s’intégrer dans un nouveau contexte social, d’autant plus lorsque cet environnement est extrême.
Ils sont en deuil, en recherche de repères et d’identité en tant que jeunes. María, David et Alex sont donc fragiles et fortement influençables. Mais cette volonté de s’intégrer à tout prix fait leur force. C'est ce qui les rend attachants et admirables car nous savons l’importance pour un individu d'être reconnu au sein d'un groupe.
C’est un film qui nous a bouleversées de par la violence sociale qu’il dépeint. Il reflète une palette variée de certaines réalités contrastées du continent.
X Quinientos es un largometraje de Juan Andrés Arango, director canadiense-colombiano que ha realizado diversos documentales y cortometrajes. Presente durante la proyección en el festival nos introduce su película explicando su título : del norte de América hasta el Sur, "X Quinientos" es un pueblito situado al centro del continente. Tres historias van a mezclarse, en diversos lugares alejados geográficamente. Sin encontrarse, vamos a ver que todos presentan cierta proximidad.
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Alex es un chico afro-colombiano que, después del deceso de su hermano, decide volver a Buenaventura y descubre que su antiguo barrio está bajo el control de criminales. David, con la muerte de su padre, deja su pueblo y decide reconstruir su vida en México. Y María quién vive en Filipinas, después de la muerte de su madre, emigra a Canadá para reunirse con su abuela.
Estas 3 historias cruzadas giran alrededor de un tema común : la muerte de un ser querido. Conmovidos por el duelo, cada uno a través de medios diferentes, intenta encontrar su lugar y empezar un proceso de reconstrucción.
El director escogió la emigración como hilo conductor entre cada historia. Un tema que le parecía importante tratar por su actualidad.
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En cada uno de los personajes, la integración es sinónimo de cambio : observamos en Maria y David una transformación física. Se impregnan y adoptan el estilo de la comunidad Ghetto y Punk. Los personajes están dispuestos a modificar su estilo de vida, ignorar ciertos valores que tenían e incluso arriesgar la vida. Entendemos la dificultad de integrarse en un nuevo contexto social, más aún cuando el medio ambiente es extremo.
Están de luto, ya no tienen referencias y como son jóvenes, María, David y Alex son frágiles y muy influenciables. Pero esa determinación para integrarse hace su fuerza, y luchan por sobrevivir. En ocasiones experimentamos empatía y admiración frente a ellos, incluso cuando a veces las decisiones que toman son más que discutibles, pues sabemos que cada individuo necesita reconocimiento dentro de un grupo.
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Es un película que trastorna por la violencia social que pinta. Refleja una paleta variada de ciertas realidades contrastadas del continente.
El Amparo es un largometraje de coproducción colombo-venezolana, dirigida por el realizador venezolano Rober Calzadilla. Se trata de una ficción inspirada en hechos reales, los cuales tuvieron lugar en la localidad de El Amparo, Venezuela, en la zona fronteriza con Colombia. En donde el 29 de Octubre de 1988, agentes militares venezolanos asesinaron a 14 pescadores y los incriminaron injustamente de ser guerrilleros, sólo 2 de las de 16 personas que fueron atacadas logra sobrevivir.
Dicho suceso se conoce como la “Masacre de El Amparo”. Según el director dicho episodio, quedó marcado en la memoria de muchos venezolanos, en su caso específico, la masacre significó una toma de conciencia, que marcó, para él, la transición de la niñez hacia una edad más adulta. De allí la iniciativa de llevar a cabo este proyecto. Que comienza con la creación de una obra de teatro pero que poco a poco se irá afinando para convertirse también en un largometraje.
Para su realización el director recurrió a los actores de teatro con los que ya había trabajado, pero también cuenta con las participación de los habitantes de EL Amparo ya que, durante un mes hubo un trabajo de inmersión en el seno de esta comunidad, lo que permitió que tanto los actores como los habitantes se fundieran en un mismo paisaje. Esta convivencia se ve traducida en la pantalla logrando gran efecto de verosimilitud, lo que permite al espectador interesarse y sumergirse en esta historia. El enfoque y la manera de desarrollar la película se centran en la experiencia de 2 pescadores sobrevivientes. Es así que podemos percibir que hay un interés por contar un relato partiendo desde una voz minoritaria, que de alguna manera está poniendo en evidencia el contraste entre microhistoria e Historia Oficial.
Para empezar entramos en su cotidianidad las primeras escena nos remiten a su intimidad, en el interior de sus humildes moradas en donde interactúan con sus familiares, y predomina el tema de la precariedad. Una vez salimos de sus casas y comenzamos a recorrer las callejuelas de la localidad, logramos ensanchar la visión de las circunstancias bajo las cuales transcurre la historia, percibimos que se trata de un medio entre lo rural y lo selvático, en donde la fuente de ingresos principal es generada por la pesca; para cubrir las necesidades alimenticias en algunos casos los habitantes tienen sus propios huertos y crían gallinas. No se ve una presencia representativa ni activa de entidades guerrilleras o militares, a excepción de uno o dos policías que están a cargo de la comisaría. Vislumbramos que se trata de una comunidad un tanto aislada y pacífica en donde no hay una gran presencia del estado.
Motivados por la remuneración de un encargo de pesca, 16 pescadores parten para llevar a cabo su empresa, pero como ya lo sabemos, solo dos de ellos regresarán con vida. A partir de allí seguiremos a los 2 pescadores durante los días posteriores a la masacre y su combate interior y exterior para restituir la verdad. Veremos su lucha, la cual nos recuerda o hace un guiño a la historia de David y Goliat, en donde estos dos personajes por más sencillos y desprovistos que parezcan le hacen frente a la gigantesca institución que no dudará en utilizar varios recursos de presión para inculparlos. Vemos entonces la desproporción de los medios, y lo injusto de la partida.
Si bien el desenlace de la historia no es precisamente victorioso para los pescadores, ellos logran conservar su integridad y su verdad. Es por eso que El Amparo, resulta una obra cinematográfica con una dimensión militante, porque logra visibilizar a una de las situaciones problemáticas de una nación, llegando incluso a cuestionar la relación entre los militares y el estado. Pero además cumple una función de gran carga simbólica, ya que si bien pone en evidencia el despotismo del relato oficial que en este caso está encarnado por las fuerzas militares, también muestra que es necesario que los ciudadanos se apoderen de las verdades individuales que una a una van constituyendo el relato de una Nación.
El Amparo est un long-métrage de coproduction colombienne et vénézuélienne, dirigé par le réalisateur Vénézuélien Rober Calzadilla. Il s’agit d’un film de fiction inspiré d’une histoire vraie, qui a eu lieu à El Amparo, commune située à la frontière entre le Vénézuela et la Colombie. Le 29 octobre 1988, des agents militaires vénézuéliens ont assassiné 14 pêcheurs et les ont incriminé injustement d’être des guerrilleros. Seulement 2 des 16 personnes attaquées ont survécu.
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L'événement en question est connu comme « La massacre de El Amparo ». D’après le réalisateur, cet épisode est resté ancré dans la mémoire de beaucoup de Vénézuéliens. Pour lui, le massacre a signifié une prise de conscience, qui a marqué la transition de l’enfance vers l’âge adulte. D’où l’initiative de mettre en œuvre ce projet qui débute avec la création d’une pièce de théâtre mais qui, peu à peu, va s’enrichir et se transformer aussi en un long-métrage.
Pour la réalisation le directeur a fait appel aux comédiens de la pièce de théâtre avec qui il avait déjà travaillé, mais il a aussi pu compter sur la participation des habitants de El Amparo, puisque il y a eu, pendant un mois, un travail d'immersion au sein de la communauté. Cela a permis que les comédiens et les habitants se fondent dans un même paysage. On aperçoit cette cohabitation à l’écran grâce à un grand effet de vraisemblance, ce qui permet au spectateur de s'intéresser et d’être captivé par l’histoire. L’approche et la façon de développer le film sont centrées sur l’expérience de deux pêcheurs survivants. On perçoit ainsi un intérêt pour construire un récit dont la voix minoritaire met en évidence le contraste entre micro-histoire et Histoire Officielle.
Tout au début nous nous enfonçons dans leur quotidien, les premières scènes nous renvoient à leur vie privée, à l’intérieur de leurs humbles demeures où ils interagissent avec leur famille. C’est donc le thème de la précarité qui domine. Une fois que l’on sort de leurs maisons et que l’on commence à parcourir les ruelles de la commune, on arrive à élargir la vision des circonstances sur lesquelles se passe l’histoire. On s’aperçoit qu’il s’agit d’un milieu entre rural et sylvestre, où la principale source de revenu est la pêche. Dans certains cas, pour satisfaire les besoins d’alimentation, les habitants ont leur propre potager et élevage de poules. On n’aperçoit pas une présence significative ni active des entités guerrilleras ou militaires, sauf à travers un ou deux policiers qui sont en charge du commissariat. On se rend compte qu’il s’agit d’une communauté un peu isolée et pacifique où l’Etat n’est pas présent.
Motivés par la rémunération d’une commande de poissons, 16 pêcheurs sont partis pour mener à bien leur projet, mais comme on le sait déjà, seulement 2 d’entre eux retourneront vivants. A partir de ce moment-là, on suivra les 2 pêcheurs pendant les jours suivant le massacre, dans leur conflit intérieur et extérieur pour restituer la vérité. La lutte des 2 personnages nous rappelle l’histoire de David et Goliath qui, même s’ils semblent simples et démunies, font face à la gigantesque institution que n’hésitera pas à utiliser les moyens nécessaires pour mettre de la pression et les inculper. C'est ainsi que l’on voit les disproportions des moyens utilisés et l’injustice dans cette partie.
Même si le dénouement n’est pas tout à fait victorieux pour les 2 pêcheurs, ils réussissent à conserver leur intégrité et leur honnêteté. El Amparo donne lieu à une œuvre cinématographique à la dimension militante parce qu’elle arrive à rendre visible l’une des situations problématiques d’une nation. Elle arrive, de plus, à remettre en question la relation entre les militaires et l’Etat. Mais elle a aussi une fonction symbolique, puisqu’elle met en évidence le despotisme du récit officiel, qui dans ce cas particulier est incarné par les forces militaires. Enfin, elle met en valeur la nécessité pour les citoyens de s’emparer de leurs vérités individuelles pour constituer ainsi le récit d’une nation.
Fiche technique
Ficha técnica
PINAMAR (2016), FEDERICO GODFRID
Argentina
Interview
Entrevista
EL AMPARO (2016), Rober Calzadilla
Colombie
L’hiver est le premier long-métrage du réalisateur argentin Emiliano Torres, un cinéaste qui a déjà derrière lui une solide expérience comme Assistant de Direction, sur la scène nationale aussi bien qu' internationale.
Le film raconte l’histoire d’un contremaître qui, après avoir travaillé presque toute sa vie pour les mêmes patrons, est remplacé par un jeune travailleur à qui il doit apprendre le travail.
On ne connait rien des personnages ni de leurs motivations ; il n’ y a aucun portrait psychologique d’eux permettant de comprendre leurs actions.
L’hiver parle de l’incertitude, de la profonde solitude des personnages face aux circonstances qu’ils ne contrôlent pas. Ils devront trouver la manière de passer cet hiver-là et les suivants.
Le décor choisi pour narrer cette histoire, c'est la Patagonie argentine. Le paysage est essentiel au moment d’analyser le film. La Patagonie est l’espace cinématographique où la narration se développe et c’est aussi un espace doté d’autonomie par ses caractéristiques particulières : une géographie imposante, des sommets enneigés, des vents qui arrivent à 80 km/h, des changements climatiques constants ; la Patagonie peut être belle et imprévisible à la fois.
Dans la conversation qui a suivi la projection du film, Emiliano Torres a nié l’intention de faire un cinéma social et, en effet, il y a une primauté de l’histoire face à l’absence de toute justification psychologique et sociale. Même dans ce cas là, il faut mentionner que, aussi bien le contremaître que l'ouvrier agricole sont des personnages oubliés, habitant les marges, là-où il n’y a pas de lois pour les protéger. Dans ce monde sans règles, c’est la décision du patron qui compte ; et le paysage fonctionne comme un espace-temps, en tant que système de significations politiques et sociales, caractéristiques du lieu et qui dépassent le récit de fiction.
La photographie a été réalisée par Ramiro Civita. Les vues panoramiques du paysage et les belles images laissent le spectateur bouche-bée face à la grandeur et la beauté de la nature. On trouve aussi des plans rapprochés, comme des visages en premier plan qui laissent entrevoir la profondeur des personnages.
L’hiver est un drame qui reprend aussi des éléments propres à d'autres genres filmiques. On peut trouver des échos au western: les champs désertiques qui pourraient appartenir à personne, la loi du plus fort, les personnages solitaires et silencieux, pour qui survivre demande force physique et mentale. On peut trouver aussi des caractéristiques liées au thriller : le suspens, l'anxiété qui atteint l'état d'esprit de Jara, le jeune protagoniste, mais aussi du spectateur, sentiment qui ira crescendo jusqu’au climax du film.
A la fin de l’hiver, les nouveaux propriétaires arrivent et Jara va se retrouver dans la même situation que son rival. Finalement, face à une logique de coût-bénéfice, l’abus de pouvoir du patron sera passé sous silence.
Vidéo
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En la estación de Río de Janeiro, replat de gente, Isidora (Dora), profesora jubilada, es escritora pública. Escribe y envía cartas que le dictan sus clientes analfabetos. Dora parece escucharlos de manera imparcial para luego transcribir los relatos, a veces muy personales de sus vidas. Entre ellos, el de Josué y su madre, quien le pide escribir una carta a su padre que nunca conoció con el fin de encontrarlo. La profesora no brinda ninguna importancia particular a su historia, no más que a las demás, y como a muchas otras cartas, a esta no la enviará. Sin embargo, cuando un accidente provoca la muerte de la madre, Josué ya no tiene ninguna persona con quien contar. La profesora espera bastante tiempo antes de decidirse a ayudarlo. Finalmente, su ayuda será interesada ya que lo llevará a un centro para niños en cambio de una televisión. Acabará recogiéndolo, siguiendo los consejos de su única amiga Irene. Dora y Josué tienen que huir de la ciudad. Se alejan de la muchedumbre y de la multitud de la estación. Aquí empieza un verdadero road movie.
El viaje iniciático mezcla vagabundeo y renacimiento, descubrimos acompañados de los dos personajes principales el interior de Brasil, sus campos y tierras desiertas. Simultáneamente, los acompañamos en un viajeinterioir, ya que todo el relato tiene que ver con esa búsqueda de identidad: la de un padre ausente, tanto en la vida de Josué como en la de Isidora. Así pues, asistimos al descubrimiento de sus historias personales porque, poco a poco, a lo largo del viaje, Dora se confía, los recuerdos surgen y entendemos el rencor y la desconfianza que tiene para los hombres. Esa mujer agria, frustrada por su soledad, vive un proceso de cambio progresivo. Es precisamente Josué, ese hombrecito de apenas 10 años, quien va a confrontarla con sus demonios y obligarla a evolucionar, revelando así, lo mejor de sí misma.
Entre ellos nace una relación inestable, caprichosa y conflictiva. Dora no deja de dar el brazo a torcer. Josué tiene que enfrentarse con un adulto que no logra tomar el control, ni de la situación ni de sus emociones; no tiene miedo de decirle la verdad, incluso lo que se refiere a las cartas que ella no envió. Es un niño temerario, honesto y valiente. A veces la relación es ambigua: por un lado, por la dualidad hombre-mujer, y por otro lado, por la dicotomía niño-adulto, incluso hijo-madre. Ambos se complementan, crecen y maduran juntos. El clímax de la película se da durante una procesión religiosa: después de una violenta disputa, Josué se pierde en la muchedumbre, Dora deambula- los creyentes, las quejas y las oraciones intensifican la tensión y la ahogan - los fuegos artificiales explotan y Dora se desvanece: es como si se tratase de un renacimiento, ya que se despertará en los brazos de Josué, definitivamente transformada, como si hubiese sido exorcizada. A partir de ahora, su relación ira consolidándose.
Así pues, esta película es un viaje iniciático; al mismo tiempo presenta algunos aspectos de un realismo extremo: la religión omnipresente, el alcoholismo, la falta de seguridad, los niños abandonados, el analfabetismo, y la pobreza. Es una comedia dramática que adopta una mirada documental sobre Brasil. En este ámbito hostil, su relación resultará ser un gran respiro. El final constituye el principio del viaje de Isidora, lista para un porvenir nuevo.
Les frères/Los hermanos GODFRID, Emmanuelle CHARRIER, Lucile DE CALAN